Ar agor Dydd Mawrth – Sadwrn, 10:30yb – 4yp Mynediad am ddim

Menu

Atlas Dros Dro: Mapio’r Hunan yng Nghelf Heddiw Yn agor mis Mehefin

25 Mehefin 2022 - 25 Medi 2022

Arddangosfa

Otobong Nkanga, “In Pursuit of Bling: The Discovery”, 2014. Courtesy of Lumen Travo Gallery, Amsterdam and Galerie In Situ – Fabienne Leclerc, Paris.

Mae Atlas Dros Dro: Mapio’r Hunan yng Nghelf Heddiw yn cyflwyno detholiad o weithiau sy’n archwilio syniad amgen, cyflenwol i gartograffeg, y wyddoniaeth draddodiadol neu’r arfer o lunio mapiau.

Mae’r 17 cartograffydd-artist Atlas Dros Dro yn ymchwilio i’w canfyddiadau gan ddefnyddio dull traddodiadol o fapio ond yn ei ehangu ar hyd llwybrau anghonfensiynol. Maen nhw’n myfyrio ar hunaniaeth, ysbrydolrwydd, yr isymwybod, emosiynau, teimlad corfforol a meddyliol, ac yn herio’r dulliau a’r rheolau a ddefnyddiwn i ddehongli mapiau o’r fath.

Mae pob un ohonom yn profi, yn barnu ac yn aseinio ein blaenoriaethau personol ar sail ein hanghenion a’n cyd-destun, ac mae’r blaenoriaethau hyn wedi’u profi gan y pandemig byd-eang.

Mae’r gweithiau sy’n cael eu harddangos yn cynnig mapiau craff a chorfforol sy’n rhoi mewnwelediad i brofiadau personol yr artistiaid, wrth dwyn i gof dirluniau meddyliol o fewn iddynt gall y gwyliwr gyfeirio ei hun; bydoedd y tu hwnt i gyfesurynnau daearyddol gwrthrychol.

Mae Atlas Dros Dro yn awgrymu ffyrdd y gallwn geisio gwneud synnwyr o’n hamgylchiadau newydd ac yn anelu at ddyfnhau’r ddeialog ar brofiad personol mewn perthynas â’r gymdeithas yr ydym yn byw ynddi nawr.

Wedi’i guradu gan ein Cyfarwyddwr, Dr Alfredo Cramerotti, mae Atlas Dros Dro yn cynnwys gweithiau gan yr artistiaid Sanford Biggers, Seymour Chwast, Jeremy Deller, Sarah Entwistle, Enam Gbewonyo, Rochelle Goldberg, Oliver Laric, James Lewis, Ibrahim Mahama, Paul Maheke, Matt Mullican, Otobong Nkanga, Kiki Smith, Walid Raad a gwaith wedi’i gomisiynu’n arbennig gan dri artist Cymreig Manon Awst, Adéolá Dewis a Paul Eastwood.

Cefnogwyd yr arddangosfa hon gan Gyngor Celfyddydau Cymru, Fondazione Imago Mundi a Fondazione Benetton Studi e Ricerche.

Artist profiles and statements

Adéọlá Dewis

Mae Adéọlá yn artist ar wasgar, yn byw ac yn gweithio yng Nghaerdydd. Yn wreiddiol o Trinidad a Tobago, mae ganddi ddiddordeb mewn perfformiadau diwylliannol defodol, gwerin a chynhenid. Mae ei hymarfer yn cynnwys lluniadu, peintio, perfformio ac ysgrifennu. Mae’n cael ei denu’n arbennig at berfformiadau o drawsnewid (fel Carnifal a dawns fasgiau) yn ogystal â chreu llefydd cysegredig.  Mae gwaith Adéọlá fel arfer yn archwilio disgwrs ynghylch hunaniaeth, gwasgariad a defod. Mae’r rhain yn amlwg yn ei phrosiectau celfyddydol a ariennir, gan gynnwys:
Mama dat is mas’ http://mamadatsmas.blogspot.com/ – yn edrych ar fasgio, defod ac ail-gyflwyno;
Mama Mas’: sgyrsiau ar gyfer Trawsnewid http://masmama.blogspot.com/ – yn edrych ar ail-gyflwyno profiadau o fod yn fam;
Play Yuhself http://playyuhselfexp.blogspot.com/ – arbrawf perfformio yn archwilio prosesau cyrchu agweddau ‘eraill’ o’r hunan;
a Route to Roots  http://routetoroots2017.blogspot.com/ – preswyliad artist yn edrych ar gelf carnifal fel ffordd o hwyluso trosglwyddo gwybodaeth Affricanaidd ar wasgar.
Mae elfennau o hunaniaeth, gwasgariad a defod hefyd i’w gweld yn ei hysgrifennu, ei phaentiadau a’i darluniau. O fewn y 3 blynedd diwethaf mae hi wedi dechrau archwilio ymarfer sy’n cynnwys paentio a ffotograffiaeth sydd â’i wreiddiau’n drwm yn ysbrydolrwydd gwasgariad Affricanaidd.

Mae Ode to mètèt mwe yn archwilio atgofion o brofiadau yn Ayiti (Haiti) 2014 gyda sgyrsiau yn 2021. Mae’r cynnig hwn yn ymgysylltu â thrawsnewid, gwasgariad, perfformiadau o ddarnau a theithiau’n ôl i’r hunan – beth mae’n ei olygu i ail-gofio ein ‘bits and pieces’, fel mam, merch, gwraig.

Mae Adéọlá Dewis (1977, Trinidad a Tobago) yn byw ac yn gweithio yng Nghaerdydd. Mae ei chomisiynau diweddar yn cynnwys Artes Mundi (Pafiliwn Grange, Caerdydd), Llantarnum Grange (Cwmbrân), Amgueddfa Cymru (Re-framing Picton – fel rhan o’i chwmni Laku Neg). Adéọlá yw sylfaenydd a chyd-gyfarwyddwr Laku Neg – cwmni sy’n cael ei redeg gan artistiaid sydd â diddordeb mewn cyfnewid gwybodaeth Gwasgariad Affricanaidd.

Ode to Mètèt mwe
Print a phaent ar bapur
2022

Trwy garedigrwydd yr artist

Enam Gbewonyo

I Gbewonyo, mae gwehyddu yn rhan gynhenid ​​o’i hunaniaeth: yn ffurfio rhan o ffordd o fyw ac adrodd straeon llwyth yr Ewe, ei phrosesau yn cael eu cyhoeddi fel rhai myfyriol ac iachusol a’i wreiddiau’n gosmig – wedi’u gwreiddio yn y chwedl y dysgodd pryfed cop i’r Ewe sut i wehyddu. Stori a ddysgodd yn ddiweddarach ar bererindod artistig, sydd wedi ennyn ei hobsesiwn hirsefydlog â gwe’r pry cop. Obsesiwn sydd wedi dadorchuddio ei hun mewn gweithiau niferus, gan gynnwys y rhai a gyflwynir yn yr arddangosfa.

Mae taith yr artist yn we droellog o hunanddarganfyddiad, fel y gwelir yn y gyfres gyfredol o weithiau Nude Me / Under the Skin. Mae Nude Me yn ymchwilio i hosanau, yn enwedig sut mae’r dilledyn hwn sy’n ymddangos yn syml, ac sy’n rhan annatod o gwpwrdd dillad menywod gorllewinol, wedi bod yn fodd arall o ymyleiddio ac ostraceiddio i’r fenyw ddu. Y profiadau personol hyn o bŵer iachau crefft sy’n tanio ei heiriolaeth. Gyda’i gwaith, mae Gbewonyo yn ceisio cyflwyno ein hymwybyddiaeth gyfunol i le cadarnhaol o ymwybyddiaeth trwy greu mannau byw o iachâd.

Mae Enam Gbewonyo (1980, Llundain) yn byw ac yn gweithio yn Llundain. Mae hi wedi arddangos ei gwaith gydag orielau a sefydliadau fel: Tafeta Gallery, Bonhams, Gallery 46 Whitechapel, New Ashgate Gallery. she has made performances for Christie’s, Hogan Lovells LLP, Henry Moore Institute, Leeds ar gyfer Arts Territory’s Palace of Ritual a oedd yn rhan o raglen gyfochrog 58fed rhifyn Biennale Fenis, ac yn fwy diweddar perfformiad llif byw i actifadu’r arddangosfa o cyd-artist Lynette Yiadom-Boakye, Fly in League with the Night yn Tate Britain.

The empire has new clothes, a history rewritten in the black II, (2021)
Teits wedi’u defnyddio, bambŵ ac edafedd cotwm, edau anifail anwes wedi’u hailgylchu, edau metelaidd a phaent acrylig dŵr ecogyfeillgar ar ffrâm gynfas wag wedi’i defnyddio

A cosmos within – the infinite black, SOURCE (2021)
Teits llosg wedi’u defnyddio, edau anifeiliaid anwes wedi’u hailgylchu a phaent acrylig dŵr ecogyfeillgar ar ffrâm gynfas wag wedi’i defnyddio

Re-asserting the black feminine (2021)
Teits wedi’u defnyddio, edau cotwm ac edau metelaidd ymlaen ffrâm gynfas wag wedi’i defnyddio

Teetering on the edge of visibility, the invisible disguised as visible IV
Ffotograffau a theits
2019

The ascension of the nude
Teits llosg wedi’u defnyddio, edau cotwm ar ffrâm byramid pren
2021

Masked in the sheer audacity of Chicago’s perceptions of blackness and womanhood, BLACK
Teits neilon
2018

Masked in the sheer audacity of Chicago’s perceptions of blackness and womanhood, NUDE
Teits llosg neilon gyda brodwaith llaw cotwm a phwytho
2018

Pob gwaith trwy garedigrwydd yr artist

Ibrahim Mahama

Mae Ibrahim Mahama yn defnyddio’r trawsnewidiad o ddeunyddiau i archwilio themâu nwydd, mudo, globaleiddio a chyfnewid economaidd. Yn aml, wedi’u gwneud ar y cyd ag eraill, mae ei osodiadau’n defnyddio deunyddiau a gasglwyd o amgylcheddau trefol, megis olion pren, dogfennau papur neu sachau jiwt sy’n cael eu pwytho at eu gilydd a’u gorchuddio â strwythurau pensaernïol. Dywed Mahama: “Mae gen i ddiddordeb mewn sut mae argyfwng a methiant yn cael eu cynnwys yn y deunydd hwn gyda chyfeiriad cryf at drafodion byd-eang a sut mae strwythurau cyfalafol yn gweithio.”

Wedi’i llunio mewn cysylltiad ag olion pensaernïol adeiladau segur sy’n adrodd hanes cymdeithasol a diwydiannol y lleoedd a’u cynhyrchodd, mae’r gyfres o gludweithiau a’r gosodiad-cerflun a gyflwynir yma yn ail-greu atgofion a chysylltiadau’r cof cymdeithasol a diwylliannol sy’n gysylltiedig â rhai ardaloedd o’i wlad enedigol, Ghana, gan roi bywyd i ‘bont’ ddaearyddol, ddiwylliannol, hanesyddol, anthropolegol a chymdeithasol ddelfrydol. Nodwedd hollbwysig o ymarfer yr artist yw’r broses y mae’n ei defnyddio i gael gafael ar ei ddeunyddiau. Mae Mahama a’i gydweithwyr yn cael yr eitemau hyn trwy broses o drafod a chyfnewid. Wedi’u casglu ynghyd mewn unedau sengl, anferth, mae’r deunydd-cyf-gwaith yn cael ei ail-bwrpasu a dod yn rhan o ymchwiliad parhaus Mahama i fywyd deunyddiau a’u potensial deinamig.

Ibrahim Mahama (1987, Tamale, Ghana). Mae’n byw ac yn gweithio yn Accra, Kumasi a Tamale, Ghana. Mae ei waith wedi ymddangos mewn nifer o arddangosfeydd rhyngwladol gan gynnwys NIRIN, 22nd Biennale of Sydney (2020);  there will be more of us, Stellenbosch Triennale (2020); Ghana Freedom, inaugural Ghana pavilion, 58th Venice Biennale, Fenis (2019); Labour of Many, Norval Foundation, Cape Town (2019); Documenta 14, Athens and Kassel (2017); All the World’s Futures, 56th Venice Biennale, Fenis (2015); Artist’s Rooms, K21, Düsseldorf (2015); Material Effects, The Broad Art Museum, Michigan (2015); An Age of Our Own Making, Kunsthal Charlottenborg, Copenhagen a Holbæk (2016).

Maniffest I, II, III
2021
Print litho a gludwaith papur archif

Annual report series I
2021
Adroddiad blynyddol, gludwaith print litho a desg bren

Pob gwaith trwy garedigrwydd yr artist a White Cube

James Lewis

Mae’r gosodiad safle-benodol a’r ddau waith Dusk Slug yn diffinio lleoliad domestig, wedi’i lygru gan sŵn ac arogl wisgi rhad a gesglir mewn gwydrau gwydr bach.

Mae’r ymwelydd yn wynebu casgliad o haenau o fywyd domestig, gyda phob un ohonynt yn ychwanegu haenau pellach o ddata synhwyraidd, y naill ar ben y llall, gan ddwyn i gof y portread o gorff absennol sydd wedi’i ddatgymalu a’i dynnu o’r cysylltiad ffabrig amserol.

Mae’r gwaith wedi’i gynllunio i awgrymu cynigion ar gyfer “set” newydd ar gyfer trosglwyddo emosiynau ac agweddau, ac ar gyfer deall corff mewn dioddefaint neu anghyseinedd. Gellir datgodio’r arwyddion tocynnau-debyg hyn neu elfennau o ddehongli a mapio yn ystadegau: er enghraifft, arwynebedd cyfartalog croen dynol, yr amser y mae’n ei gymryd i dreulio bwyd, nifer cyfartalog y geiriau unigryw a siaredir bob dydd, ac ati. Mae Lewis felly’n creu cynnig barddonol rhyfedd am iaith a’r ddealltwriaeth o anghyseinedd.

James Lewis (1986, Llundain). Mae’n byw ac yn gweithio yn Fienna, Awstria. Ymhlith ei sioeau unigol diweddar mae: Nir Altman Gallery, Munich (2022); Galerie Hubert Winter, Vienna (2021); Futur Zwei, Vienna (2019); Rupert, Vilnius (2017); Karlin Studios, Prague (2016). Mae sioeau grŵp diweddar yn cynnwys; Staying With The Trouble, Carbon 12, Dubai (2022); For some bags under the eyes, sans titre (2016), Paris; Schmalz, Guimar es, Fienna (2019); Carved and Shaped by Proximity, Pina, Fienna (2018). Mae Lewis yn diwtor ac yn ddarlithydd ym Mhrifysgol y Celfyddydau Cymhwysol ac Academi’r Celfyddydau Cain, Fienna; Prifysgol Leeds, Prifysgol Kingston ac Ysgol Gelf Norwich, y DU; Coleg Celf Paris.

Dusk Slug IV
2021
Pren, rhwymyn plastr, concrit, gwydr, wisgi, golau stribed, clai, paent acrylig

Dusk Slug V
2021
Pren, rhwymyn plastr, concrit, gwydr, wisgi, golau stribed, clai, paent acrylig

Untitled
2021
Gweithiau ar bapur

Pob gwaith trwy garedigrwydd yr artist a Galerie Hubert Winter, Fienna

Jeremy Deller

Mae’r gwaith yn bortread graffig a thestunol o hanes, dylanwad a chyd-destun cerddoriaeth tŷ asid a bandiau pres. Gan fabwysiadu ffurf diagram llif, mae’n awgrymu bod adleisiau cymdeithasol a gwleidyddol a phwyntiau cydlifiad rhwng y ddau fudiad cerddorol hyn sy’n dyddio o wahanol gyfnodau; mudiad ôl-ddiwydiannol o ddiwedd yr 20fed ganrif oedd tŷ asid, a’r mudiad bandiau pres yn dyddio o gyfnod diwydiannol y 19eg ganrif.

Cynhyrchir y gwaith trwy argraffu delwedd y diagram ar garped. Mae’r hyn sy’n edrych fel diagram llif mewn llawysgrifen achlysurol yn rhywbeth sydd wedi’i ymchwilio’n ofalus, ei gyfansoddi, ei luniadu a’i argraffu. Er y gall y lluniad llawr neu wal fod o unrhyw faint, mae’r artist wedi nodi y dylai ysgogi ymdeimlad o ymwneud â’r gwyliwr.

Wrth ysgrifennu am y gwaith ym 1998, dywedodd Will Bradley mai’r ddau ffenomena pwysicaf yn ystod y pymtheg mlynedd diwethaf oedd streic y glowyr a dechrau’r sîn tŷ asid i Deller. Mae The History of the World yn plethu’r ddau ddigwyddiad hyn at ei gilydd drwy ddau fath o gerddoriaeth sy’n ymddangos yn wahanol. Mae’r ddwy ffurf yn lleisiau sydd mewn gwahanol ffyrdd yn anghytuno â’r drefn wleidyddol a chymdeithasol gyffredinol. Trwy ddod â’r ddwy ffurf at ei gilydd yn y modd hwn, mae Deller yn dangos sut mae anghytuno o’r fath yn cael ei fynegi mewn cyd-destun ehangach, gan olrhain llif sy’n manylu ar y dylanwadau ar dŷ asid a bandiau pres fel mynegiant o symudiad tuag at yr hyn y mae Carl Freedman wedi’i ddisgrifio fel ‘diwylliant sydd wedi’i seilio’n fwy ar gymuned’.

Jeremy Deller (1966, Llundain). Mae Deller yn un o’r artistiaid Prydeinig enwocaf, enillodd Wobr Turner yn 2004 a chynrychiolodd Prydain yn Biennale Fenis 2013. Mae arddangosfeydd monograffig o’i waith yn cynnwys Canolfan y Celfyddydau Gweledol yng Nghaerdydd, Sefydliad Wattis yn San Francisco, Centre Pompidou, Oriel Gelf Barbican yn Llundain, Kunstverein ym Munich, Palais de Tokyo ym Mharis, New Museum yn Efrog Newydd, Hammer Museum yn Los Angeles, Chicago’s Museum of Contemporary Art, a’r Hayward Gallery yn Llundain.

The History of the World, 1997-2004
2022
Carped wedi’i argraffu’n ddigidol, trwy garedigrwydd yr artist a The Modern Institute, Toby Westler Ltd, Glasgow

Acid Brass, 1997
Recordiad byw gan y William Fairey Band, CD.
Courtesey art: concept, Paris; Gavin Brown’s enterprise, Efrog Newydd a The Modern Institute, Toby Westler Ltd.

Kiki Smith

Yn ei gweithiau, mae Smith yn disgrifio “cosmograffeg gyfoes” sy’n tynnu llwybr o fyfyrio ac yn ein gwahodd i ystyried pa mor agored i niwed yw’r cyflwr dynol o ran cymhlethdod bywyd.

Mae’r efydd a’r pedwar gwaith yn y gyfres Standing yn mabwysiadu grym ailadrodd mewn naratifau a chynrychioliadau symbolaidd ac yn cael eu hysbrydoli gan ddiwylliant gweledol y gorffennol, sy’n amrywio o gynrychioliadau anatomegol, naturiol a gwyddonol o’r ddeunawfed ganrif i orthrwm delweddau o greiriau, memento mori, llên gwerin, mytholeg, eiconograffeg Bysantaidd, allorluniau canoloesol a darluniau o fyd yr anifeiliaid. Mae’r gweithiau felly’n ffitio i mewn i’r drafodaeth gyfredol ar sut mae’r canfyddiad o fywyd wedi newid, ac ym mha delerau – hefyd yn dilyn lledaeniad y pandemig Covid-19 – mae cysyniadau megis hunaniaeth, y berthynas rhwng y corff a’r byd a rhwng dyn a mae natur yn esblygu. Dywed yr artist: “Rydym yn rhan o’r byd naturiol ac mae ein hunaniaeth yn gwbl gysylltiedig â’n perthynas â’n cynefin a’n hanifeiliaid”.

Kiki Smith (1954, Nuremberg, yr Almaen). Mae hi’n byw ac yn gweithio yn Efrog Newydd, UDA. Mae hi wedi bod yn ymgyrchwr yn dros 150 o arddangosfeydd monograffig ledled y byd ac mae ganddi le amlwg ym mhanorama celf gyfoes. Mae Smith wedi bod yn destun dros 25 o arddangosfeydd unigol mewn amgueddfeydd. Mae ei gwaith wedi cael sylw mewn pum Biennales yn Fenis. Mae hi’n aelod o American Academy of Arts and Letters, the American Academy of Arts and Sciences, a’r Royal Academy of Arts, Llundain. Enillodd Wobr Nelson A. Rockefeller yn 2010; U.S. Department of State Medal of Arts 2013. Mae hi’n athro atodol yn NYU a Phrifysgol Columbia.

Accomplice
2017
Efydd platiog aur
Mae’r gwaith hwn yn rhif 3 o rifyn o 13, ynghyd ag 1 prawf arlunydd.

Standing VI
2014
Copperplate intaglio gyda gludwaith
Mae’r gwaith hwn yn rhif 11 o rifyn o 18 ynghyd â 4 proflen arlunydd a 3 phrawf argraffydd

Standing V
2014
Copperplate intaglio gyda gludwaith
Mae’r gwaith hwn yn rhif 11 o rifyn o 18 ynghyd â 4 proflen arlunydd a 3 phrawf argraffydd

Standing II
2014
Copperplate intaglio gyda gludwaith
Mae’r gwaith hwn yn rhif 11 o rifyn o 18 ynghyd â 4 proflen arlunydd a 3 phrawf argraffydd

Standing I
2014
Copperplate intaglio gyda gludwaith
Mae’r gwaith hwn yn rhif 11 o rifyn o 18 ynghyd â 4 proflen arlunydd a 3 proflen argraffydd

Pob gwaith trwy garedigrwydd yr artist a Timothy Taylor, Llundain

Manon Awst

Mae Manon Awst (g. 1983, Bangor , Cymru) yn arlunydd wedi’i leoli yng Nghaernarfon , Cymru. Mae ei hagwedd ryngddisgyblaethol at safleoedd a deunyddiau yn cael ei ffurfio gan ei magwraeth yng Ngogledd Cymru, ei hastudiaethau academaidd mewn Pensaernïaeth (Prifysgol Caergrawnt) ac Ymchwil Artistig (RCA, Llundain) a deng mlynedd o ymarfer cydweithredol yn Berlin fel rhan o’r deuawd-artist Awst & Walther. Mae hi wedi arddangos ei gwaith yn eang yn y DU a’r Almaen gan gynnwys yn Cass Sculpture Foundation, New Art Centre, National Museum Cardiff, Künstlerhaus Bethanien, Georg Kolbe Museum a Kunstverein Braunschweig.

Mae hi’n dangos dau ddarn sy’n dwyn i gof y naratifau ecolegol a daearegol sy’n nodweddiadol o’i gwaith. Mae’r deunyddiau’n cynnwys calchfaen lleol, rhwydi pysgota wedi’u hailgylchu a thegan traeth chwyddadwy, sy’n cysylltu â thirwedd ei phlentyndod – arfordir Ynys Môn. Mae perfformiad chwareus i’r darnau, gyda’r drych yn ychwanegu adlewyrchiad y gwyliwr at y llun, ond maent hefyd yn tynnu sylw at densiynau tywyllach sy’n gysylltiedig â thwristiaeth a chadwraeth, lle mae plastigion a chreigiau, tirweddau a chyrff, yn uno mewn haenau newydd rhyfedd.

Dal sownd / Hold on
2021
Drych gyda daliau dringo printiedig 3D wedi’u gwneud o neilon morol wedi’i ailgylchu

Craidd pethau
2022
Calchfaen Môn wedi’i ddrilio a phelen draeth

Pob gwaith trwy garedigrwydd yr artist

Matt Mullican

Mae’r gweithiau a gyflwynir yma yn ymwneud yn bennaf â systemau gwybodaeth, ystyr, iaith ac arwyddocâd. Yn rhannol sgematig, yn rhannol yn siartiau cosmolegol, mae gweithiau trefnus, cymesurol Mullican yn cuddio nod artistig hynod uchelgeisiol, i gynnwys y bydysawd a gwneud synnwyr ohono. Wedi’i nodweddu gan batrymau geometrig garw, mae diagramau ac ysgrifau Mullican ar gynfas yn cynnig mynediad am ddim i seice’r artist.

Er ei fod yn ymwybodol bod casgliad a darlunio cyffredinol cyflawn yn amhosibl, mae’n parhau i ddilyn y prosiect hwn yn ddi-lyffethair. Y ddau fodel darluniadol yng nghredo artistig Mullican yw cartograffeg a chosmoleg. Yn y Siartiau fel y’u gelwir mae’n disgrifio hollti peth o’r realiti materol gwrthrychol i’w syniad cwbl oddrychol. Cam wrth gam maen nhw’n esbonio’r canfyddiadol o gysylltiadau adlewyrchol lle rydyn ni’n haniaethu pethau ac amgylchiadau bob dydd.

O ran pob gwaith unigol, mae hyn yn golygu ei fod yn gweld gwrthrych neu ei bortread ar yr un pryd fel rhan o fydysawd ac fel bydysawd ynddo’i hun. Yn y gweithiau hyn, mae Mullican yn ymhelaethu ar y berthynas rhwng canfyddiad a realiti, rhwng y gallu i weld rhywbeth a’r gallu i’w gynrychioli. Yn yr ystyr hwn, mae’r artist yn mynegi’n union un o bwyntiau allweddol rhesymeg curadurol yr arddangosfa: y gallu i fod yn ymwybodol o’r meini prawf sy’n cael eu mabwysiadu i ddisgrifio’r byd y tu allan o safbwynt unigol.

Matt Mullican (1951, Santa Monica, UDA). Mae’n byw ac yn gweithio yn Berlin ac Efrog Newydd. Mae gwaith Mullican wedi cael ei arddangos yn rhyngwladol ers y 1970au cynnar mewn lleoliadau gan gynnwys yr Metropolitan Museum of Art, Efrog Newydd, Haus Der Kunst, Munich, National Galerie, Berlin, Stedelijk Museum, Museum of Contemporary Art, Los Angeles a’r Museum of Modern Art, NY. Mae ei weithiau i’w gweld yng nghasgliadau Art Institute of Chicago, the Museum of Modern Art yn Efrog Newydd, Los Angeles County Museum of Art, the Cincinnati Art Museum a’rHirshhorn Museum and Sculpture Garden yn Washington, DC.

Untitled (Signs)
2013 (1987)
Pastel olew ar gynfas

Untitled (Centered overall chart)
2021
Pastel olew ar gynfas

Untitled (Centered overall chart: Sign)
2021
Pastel olew ar gynfas

Oliver Laric

I Laric, lluniad cymdeithasol yw amser, nid realiti ffisegol, a dyna pam mae realiti lluosog yn cydfodoli yn ei waith ac mae’r gwahaniaeth rhwng y gwreiddiol a’r copi yn peidio â bodoli.

Mae’r gwaith fideo, a gyflwynwyd ar agoriad yr arddangosfa, yn ymchwilio i’r cysyniad o hierarchaeth delweddau, neu’r syniad bod rhai delweddau – personol, cyfunol neu gymdeithasol – yn bwysicach neu’n fwy perthnasol nag eraill, neu gopïau neu atgynyrchiadau mwy dilys fyth. ohonynt eu hunain.

Mae fersiynau’n amlygu bod y cysyniad o gael un ddelwedd wreiddiol yn unig yn broblematig, ac mae hyn hefyd yn berthnasol i’r syniad cynrychioliadol sydd gennym ohonom ein hunain. Yn wyneb cyfres o gopïau sy’n adleisio ac yn ehangu cylchrediad bywgraffyddol, hanesyddol a chyfoes delweddau unigol, diwylliannol a dogfennol, pa fersiwn sy’n wir? Ond yn fwy na dim, beth yw’r ots?

Mae Laric yn cydnabod ffurf anhierarchaidd o greu delweddau, ac yn ein gwahodd i fyfyrio ar y thema hon sydd, yng nghyd-destun yr arddangosfa, yn dod yn ddehongliad hanfodol. Mewn gwirionedd, mae’r gwaith yn awgrymu nad yw ein gwybodaeth weledol a’n gallu i archwilio ein hunain yn hytrach na’r byd cyfagos bellach yn canolbwyntio ar y ddeuoliaeth “gwreiddiol” a “copi”, oherwydd yn ein cyfnod ni does gan y naill flaenoriaeth dros y llall.

Oliver Laric (1981, Innsbruck). Mae’n byw ac yn gweithio yn Berlin. Mae wedi cael arddangosfeydd un person yn S.M.A.K., Ghent; the Saint Louis Art Museum; Schinkel Pavillon, Berlin; Secession, Fienna; Austrian Cultural Forum, Llundain; Hirshhorn Museum and Sculpture Garden, Washington, D.C.; a’r MIT List Visual Arts Center, Cambridge, Massachusetts.  Mae hefyd wedi cymryd rhan mewn arddangosfeydd grŵp yn Whitechapel Gallery, London; Albright-Knox Art Gallery, Buffalo; Kunsthalle Fridericianum, Kassel; Palais de Tokyo, Paris; Kunstverein München. Roedd gwaith Laric wedi’i gynnwys yn Nheirblwydd New Museum 2015, Eilflwyddiad 2016 Lerpwl, Eilflwyddiad São Paulo 2018, Teirblwydd Guangzhou 2018.

Versions
2010
Fideo sianel sengl diffiniad uchel, sain, 9 munud (yn ailadrodd)

Otobong Nkanga

Mae In Pursuit of Bling yn cynrychioli’r mwynol naturiol mica, a’i enw Lladin yw ‘briwsionyn’ ond credir ei fod yn tarddu o’r Lladin ‘micare’, sy’n golygu ‘i dywynnu’. Mae gwaith celf Nkanga yn archwilio cymwysiadau gwahanol mica ar ôl iddo gael ei brosesu, gan fyfyrio ar yr awydd dynol i droi adnoddau yn nwyddau. Yma fe’i hystyrir yn garreg werthfawr sy’n mynd o ddwylo’r glöwr i ddwylo’r defnyddiwr, wedi’i diddymu gan brosesau diwydiannol i gynhyrchion heb uchelwyr. Mae’n egluro bod y gwaith “nid yn unig yn ymwneud ag edrych ar yr ymdeimlad materol hwnnw o olau, ond hefyd meddwl amdano mewn perthynas ag ysbrydolrwydd a chysylltiad â lle, a sut y gallwn ddeall y syniad o fudo a dadleoli trwy feddwl am dwll sy’n yn disodli oherwydd cael gwared ar yr hyn a oedd yn ei gynnwys unwaith. Wrth i’r twll gael ei wneud, mae’r corff yn cael ei ddadleoli.”

Yn Infinite Yield, defnyddiodd yr artist luniadau fel man cychwyn a’u hail-lunio ar raddfa fawr. Ar ôl ei ddylunio, cynhyrchwyd y tapestri wedyn yn labordy Amgueddfa Tecstilau Tilburg yn yr Iseldiroedd. Mae’r gwaith yn themateiddio cyfoeth naturiol ein planed a’r modd y caiff ei ecsbloetio a bennir gan gyflenwad a galw mewn byd sydd wedi’i globaleiddio. Gan ei fod am amlygu’r berthynas rhwng tirwedd, dynoliaeth a llafur, mae’r artist hefyd yn gwneud cynigion gweithredol i fyfyrio ar themâu cyfoes megis y posibilrwydd o ailddehongli pyllau glo segur wedi’u hechdynnu fel henebion tanddaearol. Daw’r gwaith i’r amlwg fel rhyw fath o geowleidyddiaeth o adnoddau naturiol, stori am bobl yn y gadwyn o drawsnewid a thaith mwynau crai, fel trosiad ar gyfer y berthynas rhwng cyfandiroedd. Mewn oes lle mae anghydraddoldeb hiliol yn dal yn rhyfeddol o bresennol, mae ei gwaith hefyd yn gweithredu fel drych, gan ein gorfodi i fyfyrio ar ein rhyngweithio â’r byd o’n cwmpas.

Otobong Nkanga (1974, Kano, Nigeria). Mae hi’n byw ac yn gweithio yn Antwerp, Gwlad Belg. Mae Nkanga wedi cael arddangosfeydd unigol yn y Gropius Bau, Zeitz Museum of Contemporary Art Africa, the Museum of Contemporary Art Chicago, Tate Modern a Tate St Ives a’r Castello di Rivoli, ymhlith sefydliadau eraill. Mae hi wedi cymryd rhan yn 8fed Biennale Berlin yn Berlin, yr Almaen, Documenta 14eg a Biennale San Paolo ac wedi cael sylw arbennig am ei gyflwyniad yn Biennale Fenis 2019. Mae gwaith Nkanga yng nghasgliadau Centre Pompidou, Tate, Stedelijk Museum, Studio Museum yn Harlem a Van Abbemuseum i enwi dim ond rhai.

In pursuit of bling: the discovery
2014
Tapestri, gwehyddu tecstilau

Infinite yield
2015
Tapestri, tecstilau wedi’u gwehyddu (fiscose, techno, merino, cotwm organig, mohair)

Yr holl waith trwy garedigrwydd yr artist a chasgliad Defares

Paul Eastwood

Mae Eastwood (g. 1985, Wrecsam, Cymru) yn artist gweledol wedi’i leoli yng Nghymru. Mae’n trin celf fel ffurf o adrodd straeon materol. Mae’n creu hanesion a dyfodol dychmygol i ymchwilio i sut mae gofodau, arteffactau, a chof yn cyfathrebu hunaniaeth. Mae iaith – byrlymog neu brintiedig, naturiol neu ddyfeisgar, hegemonaidd neu leiafrifol – yn wrthrych cyson ac yn gyfrwng ei ymarfer. Addysgwyd Eastwood yn  Wimbledon School of Arts a’r Royal Academy Schools. Ef oedd enillydd Gwobr Gelf gyntaf NOVA, Cymru yn 2018, a daliodd gymrodoriaeth fel Cymrawd Cymru Greadigol yn yr Ysgol Brydeinig yn Rhufain yn 2020. Mae ei waith wedi cael ei arddangos yn genedlaethol ac yn rhyngwladol ac mae ei ffilmiau wedi cael eu dangos yn Ffrainc, yr Eidal, Cymru a Lloegr. Cafodd sioeau unigol yn Chapter, Caerdydd (2019) a Pontio, Bangor (2017).

Ymhelaetha Dyfodiaith ar ddiddordebau hir dymor yr artist Cymreig Eastwood yng nghyfyngiadau a phosibiliadau di-ben-draw cyfathrebu ieithyddol ac ym mydoedd y dyfodol a ddychmygir yn gywrain, ei deitl yn gweithredu fel portmanteau sy’n golygu “iaith y dyfodol” neu “ddyfodol i ddod” ac homonym o’r gair Cymraeg am “tafodiaith.”

Er mai’r Gymraeg, neu’n hytrach ei chyndad Frythoneg, yw iaith frodorol Ynysoedd Prydain, yn hanesyddol mae wedi’i herlid, ac yn dal i gael ei gweld fel un estron neu’n wynebu gelyniaeth. Mae Dyfodiaith yn cynnig ac yn ymgorffori ‘cyffredin-eiddio ieithyddol’ yn wyneb hegemoni Saesneg, gan droshaenu ffrwd ofalus o ddelweddau hynod symbolaidd gyda naratif sy’n cael ei chanu a’i siarad bob yn ail yn iaith Geltaidd / Frythonig yr artist. Mae glyffau sy’ hongian yn ymddangos ochr yn ochr â’r clustiau, y tafodau a’r esgyrn sydd wedi torri; maent yn suddo’n araf ac yn lapio eu hunain o amgylch rhannau’r corff, gan eu cysylltu’n gynhenid. Mae ieithoedd ynghlwm wrth gyrff a chyrff wrth iaith, ni allwn ddianc rhag ein gilydd.

Mae’r delweddau yn Dyfodiaith yn dechrau fel rhannau corff unigol, ond yn cronni’n araf i ffurfio tirweddau haniaethol. Mae iaith, yn wir, hefyd ynghlwm wrth dirwedd yn yr ystyr bod bodau dynol yn gwneud synnwyr o’u hamgylchedd trwy roi enw iddo; mae iaith felly yn diffinio gwahaniaethau daearyddol, ffiniau, perchnogaeth, a chysylltiadau eiddo. Ysgrifenna Donna Haraway mai “gwleidyddiaeth trwy ddulliau eraill yw gramadeg”, a bod gwleidyddiaeth effeithiol yn gofyn am siarad yn iaith y goruchafiaeth. Mae Eastwood yn cymryd y llwybr arall, gan wadu homogeneiddio diwylliannau trwy adennill neu hyd yn oed ail-greu moddau mynegiant ar gyfer lleiafrif.

Wrth i ni golli ieithoedd, rydyn ni’n colli’r ffyrdd rydyn ni’n arsylwi ac yn gweld y byd. Wrth i ni ddod yn nes at ‘Globish’ rydym mewn perygl o golli dulliau unigol o fynegiant. Mae materion bodolaeth fregus a diffyg bodolaeth, sydd mor berthnasol i’n cyfnod o newid cyflym mewn ffiniau ac ieithoedd a phobloedd diflannol, wrth galon gwaith fideo Eastwood.

  • Boustrophedon yn arddull ysgrifennu lle mae llinellau ysgrifennu am yn ail yn cael eu gwrthdroi, gyda llythyrau hefyd wedi’u hysgrifennu mewn gwrthdro, arddull drych. Daw’r gair o’r Hen Roeg ac mae’n disgrifio’r ffordd y mae ych yn troi rhychau amgen wrth aredig cae.

Daw’r ddelwedd o luniadau’r arlunydd,ac mae (darnau o) arysgrifau Cymreig anferth yn cymryd y lle blaenaf. Er mwyn ymgorffori’r iaith hon a’i throsi o’r dudalen ysgrifenedig i’r amgylchedd byw, mae Eastwood wedi dewis cyfrwng sy’n cyfeirio at grefft draddodiadol Gymreig – gwehyddu – wedi’i hail-greu gan ddefnyddio deunyddiau a thechnolegau modern, megis gwŷdd Jacquard digidol.

Boustrofedon
2022
Tapestri Gwehyddu

Dyfodiaith : Canu i ddyfodol anhysbys
2019
Fideo HD

Pob gwaith trwy garedigrwydd yr artist

Paul Maheke

Mae’r gweithiau amrywiol a gyflwynir yn yr arddangosfa yn ymwneud â dau o’r strwythurau gormesol mwyaf ‘ymhlyg’ sydd gennym, hynny yw, iaith a systemau cynrychioli. Mae Vanilla Blue III, er enghraifft, yn cyfeirio at fath o fanila a oedd yn frodorol i’r Íle de la Reunion , a fu unwaith yn gartref i rieni Maheke; trwy osod tiriogaeth yn ddaearyddol, cynigir cyd-destun o natur farddonol a gwleidyddol i wylwyr.

Yn barhau, mae’r detholiad o weithiau ar gopr yn adennill priodweddau unigryw’r deunydd hwn, sydd yn yr un modd yn caniatáu ffurfio delwedd (ar lefel artistig-ddiwylliannol), y gallu i ddargludo trydan a gwres (ar lefel dechnolegol-isadeiledd), a effeithiolrwydd mewn meddygaeth amgen (ar lefel therapiwtig-iechyd). Yn y modd hwn, mae’r artist yn cysylltu’n gynhenid ​​â dimensiwn corfforol, ysbrydol a chymdeithasol byw mewn un symudiad.

Mae llawer o ystyron y gweithiau wedi’u gwreiddio yn niddordeb Maheke yn y grymoedd anweledig ond concrid iawn sy’n effeithio ar ein cyrff yn ogystal â’n hunaniaethau, a sut rydym yn profi ein hunain. Mae’r grymoedd hyn yn cynnwys yn union ddealltwriaeth wleidyddol a chymdeithasol ein hanes, yr un mwyaf cyfriniol ac ysbrydol, yn ogystal â’r grymoedd sain a chorfforol (er enghraifft, disgyrchiant) sy’n ein hamgylchynu. Mae’r gyfres o weithiau Maheke, yn ei hanfod, yn ffordd o estyn allan i sefydlu ffurf o gyswllt.

Paul Maheke (1985, Brive-la-Gaillarde, Ffrainc). Mae’n byw ac yn gweithio yn Llundain. Ymhlith ei arddangosfeydd personol: Ludlow 38, Efrog Newydd (2019); Chisenhale, Llundain (2018); South London Gallery (2016). Ymhlith yr arddangosfeydd grŵp: Mus e d’art contemporain de la Haute-Vienne, Rochechouart, Ffrainc (2020); Amgueddfa Ludwig, Cologne (2019); Somerset House, Llundain (2019); Lafayette Anticipations, Paris (2018); Tate Modern, Llundain (2017); Walker Art Gallery, Lerpwl (2017); Centro de Arte Dos de Mayo, Madrid (2017). Cymerodd ran yn Biennale Performa 19, Efrog Newydd; 58fed Biennale Fenis; a Maniffesta 12, Palermo.

The moss has got a pair of eyes
2020
Ferric clorid ar gopr

Lilith
2020
Ciwb gwydr 3D wedi’i ysgythru â laser, copr ocsidiedig a phosteri printiedig

Du ciel, à travers le monde, jusqu’aux enfers (III)
2020
Ciwb gwydr 3D wedi’i ysgythru â laser, pres copr ac ocsidiedig, cadwyni pres du ac aur, cloc pendil pres, blychau copr

OOLOI
2019
Plexiglas, paent acrylig, jeli petrolewm, bylbiau golau

Pob gwaith trwy garedigrwydd yr artist ac Oriel Sultana, Paris.

Rochelle Goldberg

Mae gweithiau Goldberg sydd wedi’u cynnwys yn yr arddangosfa yn cwestiynu ac yn pylu “y gwahaniaethau materol a chysyniadol” rhwng systemau naturiol a’r amgylchedd adeiledig. Creodd yr artist gerfluniau graddfa ddynol â llaw mewn cerameg, efydd a deunyddiau eraill sy’n atgofus o ffurfiau organig a motiffau eraill, gan actio naratif seicolegol a dull meta-gartograffig i’n hoes ôl-ddiwydiannol.

Gan gymryd i ystyriaeth actants-meicro byw a di-fyw, mae Goldberg yn pwysleisio trawsnewidiadau, treigladau ac ataliadau: “Mae gen i ddiddordeb mewn lle mae’r tu mewn a’r tu allan yn cwympo – mae’r ffin bob amser ar golled … rwy’n meddwl ei fod yn synaptig [cyswllt, cydgadwynedd]. Bod un peth yn cyffwrdd â’r llall a’r llall yn cyffwrdd â’r llall, a’r gofod fertigol hwnnw o adferiad yn dod yn labyrinth”.

Yn arbennig o bwysig ar gyfer yr arddangosfa hon, mae’r ymdeimlad o weledigaeth fel “dull breintiedig o fynediad at wybodaeth” yn cael ei gwestiynu a’i roi mewn argyfwng. O ganlyniad, mae’r gweithiau gan Goldberg yn pwysleisio’r rôl allweddol a chwaraeir gan y meini prawf a ddewiswn i fapio’r berthynas rhwng bodau dynol, gwrthrychau a’r amgylchedd, a faint o’r ddealltwriaeth hon sy’n dibynnu’n union ar ba ddulliau cynrychioli a fabwysiadwn.

Rochelle Goldberg (1984, Vancouver, Canada). Mae hi’n byw ac yn gweithio yn Vancouver a Berlin. Roedd ganddi sioe unigol yn Miguel Abreu Gallery yn Efrog Newydd (2020 a 2017); The Power Station Dallas (2019); Masaccio House San Giovanni Valderno (2018); GAMeC Bergamo (2017); a SculptureCenter yn Long Island City, Efrog Newydd (2016). Mae hi wedi cymryd rhan mewn sioeau grŵp yn rhyngwladol, gan gynnwys yn Aspen Art Museum; Okayama Art Summit; The Whitney Museum, New York; Fondation d’entreprise Ricard, Paris; Barro, Buenos Aires; Kunstverein Dortmund; a The Artists Institute, Efrog Newydd.

Track (Can you trigger the switch?)
2018
Dur, pres, seleriac, paent gwasgaru

Bread
2020
Efydd

Bread garden
2020
21 darn o fara a 52 can

X
2021
6 llaw mewn efydd

Yr holl waith trwy garedigrwydd yr artist a Miguel Abreu, Efrog Newydd

Sanford Biggers

Mae gweithiau Goldberg sydd wedi’u cynnwys yn yr arddangosfa yn cwestiynu ac yn pylu “y gwahaniaethau materol a chysyniadol” rhwng systemau naturiol a’r amgylchedd adeiledig. Creodd yr artist gerfluniau graddfa ddynol â llaw mewn cerameg, efydd a deunyddiau eraill sy’n atgofus o ffurfiau organig a motiffau eraill, gan actio naratif seicolegol a dull meta-gartograffig i’n hoes ôl-ddiwydiannol.

Gan gymryd i ystyriaeth actants-meicro byw a di-fyw, mae Goldberg yn pwysleisio trawsnewidiadau, treigladau ac ataliadau: “Mae gen i ddiddordeb mewn lle mae’r tu mewn a’r tu allan yn cwympo – mae’r ffin bob amser ar golled … rwy’n meddwl ei fod yn synaptig [cyswllt, cydgadwynedd]. Bod un peth yn cyffwrdd â’r llall a’r llall yn cyffwrdd â’r llall, a’r gofod fertigol hwnnw o adferiad yn dod yn labyrinth”.

Yn arbennig o bwysig ar gyfer yr arddangosfa hon, mae’r ymdeimlad o weledigaeth fel “dull breintiedig o fynediad at wybodaeth” yn cael ei gwestiynu a’i roi mewn argyfwng. O ganlyniad, mae’r gweithiau gan Goldberg yn pwysleisio’r rôl allweddol a chwaraeir gan y meini prawf a ddewiswn i fapio’r berthynas rhwng bodau dynol, gwrthrychau a’r amgylchedd, a faint o’r ddealltwriaeth hon sy’n dibynnu’n union ar ba ddulliau cynrychioli a fabwysiadwn.

Rochelle Goldberg (1984, Vancouver, Canada). Mae hi’n byw ac yn gweithio yn Vancouver a Berlin. Roedd ganddi sioe unigol yn Miguel Abreu Gallery yn Efrog Newydd (2020 a 2017); The Power Station Dallas (2019); Masaccio House San Giovanni Valderno (2018); GAMeC Bergamo (2017); a SculptureCenter yn Long Island City, Efrog Newydd (2016). Mae hi wedi cymryd rhan mewn sioeau grŵp yn rhyngwladol, gan gynnwys yn Aspen Art Museum; Okayama Art Summit; The Whitney Museum, New York; Fondation d’entreprise Ricard, Paris; Barro, Buenos Aires; Kunstverein Dortmund; a The Artists Institute, Efrog Newydd.

Track (Can you trigger the switch?)
2018
Dur, pres, seleriac, paent gwasgaru

Bread
2020
Efydd

Bread garden
2020
21 darn o fara a 52 can

X
2021
6 llaw mewn efydd

Yr holl waith trwy garedigrwydd yr artist a Miguel Abreu, Efrog Newydd

Sarah Entwistle

Wedi’i swyno gan natur hydrin deunyddiau ac arfer hanesyddol pensaernïaeth “spolia” – neilltuo deunyddiau mewn ffurfiau newydd – fel grym pwerus yn erbyn penderfyniaeth bersonol a diwylliannol etifeddol, mae ei phrosiect mwy yn ddeialog barhaus gyda a datgymalu archif ei thad-cu a’i chyd-bensaer, Clive Entwistle (1916-1976), ffigwr arwyddluniol a phroblemaidd o foderniaeth, ni chyfarfu hi erioed.

Mae artist yn ddeialogi gyda’r casgliad helaeth o brosiectau heb eu gwireddu a phapurau personol sy’n ei ddatgelu fel ffigwr arian parod a chymhleth, y mae ei bwyntiau cardinal “Pensaernïaeth, Ysbryd, Deallusrwydd a Rhyw” yn datgelu cydlifiad gweithgareddau rhyw ac esoterig â’i ymarfer proffesiynol. Mae dilyniannau bywyd Clive wedi’u gorchuddio’n ddwfn mewn obsesiwn traws-genhedlaeth a gafodd sylw trwy eu gwaith priodol, wrth iddi barhau i hidlo a thrwsio, ar wahanol lefelau, cynnwys yr archif. Mae Entwistle yn ymdrin â’r deunydd hwn fel modd o werthuso ei hunaniaeth ei hun fel pensaer, artist a menyw. Mae’n datblygu gwrthrychau o fewn bywyd llonydd cerfluniol a gosodiadau sy’n ymgorffori elfennau unigol megis tapestrïau wedi’u gwehyddu â llaw, toriadau metel a ddarganfuwyd ac wedi’u hailfodelu, gwrthrychau ceramig a gweithiau papur sy’n aml yn dwyn i gof ddodrefn domestig a gwrthrychau bob dydd.

Mae unigolrwydd mynegiannol pob elfen o waith llaw yn eu gosod mewn cyferbyniad â phrototeipiau atgynhyrchadwy a therfynol y dyluniad uchel sy’n nodweddiadol o’r mudiad modernaidd.

Mae’r broses drawsnewid hon yn rhoi cynnig ar ffurf ar allfwriad creadigol a diwylliannol, a chyfrif gyda stori bersonol iawn.

Sarah Entwistle (1979, Llundain). Mae hi’n byw ac yn gweithio yn Berlin. Wedi’i hyfforddi fel pensaer yn The Bartlett, UCL and Architectural Association, Llundain, yn 2020 cynhaliodd Amgueddfa Nivola ei harddangosfa gyntaf mewn sefydliad Eidalaidd. Yn 2017 derbyniodd Artists’ International Development Fund,Arts Council England.Yn 2014 derbyniodd Grant Foundation Le Corbusier ar gyfer Artistiaid Gweledol lle yn 2015 cyflwynodd arddangosfa unigol, He was my father and I an atom, destined to grow into him, Roedd yr arddangosfa yn cyd-fynd â chyhoeddi ei bywgraffiad arbrofol gan Sternberg Press, 2015.

When I decide that you are lying
2021
4 cerameg, 1 dalen ddur wedi’i stensilio a’i phlygu, 1 gwrthrych dur gyda bwlb golau, 1 cadair, gwrthrych metel, gwydr

When I stay at the studio, they look after the cat
2021
Gwrthrychau dur, gwrthrych ffwr wedi’i stwffio (cath), rhaffau, bachau, fideo Cyfanswm maint: 400 x 400 x 250

Pob gwaith trwy garedigrwydd yr artist a Galerie Barbara Thumm, Berlin

Seymour Chwast

Wedi’i hysbrydoli gan dudalennau llawlyfr rhyw, ymddangosodd y ddelwedd hon yn rhifyn Push Pin Graphic ac fe’i darluniwyd gan Liz Gutowski. Gellid ei ddisgrifio fel un o’r hoff fapiau erioed, nid oherwydd ei destun ond oherwydd ei fod yn gampwaith o gymhwyso semioleg gartograffig mewn prosiect golygyddol nid oedd yn ymwneud â rhywbeth daearyddol.

O’r llyfr The Obsessive Images of Seymour Chwast gan Steven Heller: “Mae [Chwast] yn symud i chwilio am sgwario perffaith y cylch ym mythau gwahanol moderniaeth, rhwng cyrff crwn ceir sbort y 1950au ac esgidiau wedi’u gwneud ymlaen llaw yn yr Eidal, rhwng masgiau ysbrydion reslwyr Mecsicanaidd a chreaduriaid ‘ddim yn hollol ddynol'”.

Cyhoeddwyd Coitus Topographicus gan Push Pin Studios yn eu cylchgrawn Mawrth/Ebrill 1980, a grëwyd gan Richard Mantel, Liz Gutowski a Seymour Chwast. Ar gyfer yr arddangosfa, lluniodd yr artist y map gwreiddiol i’w ehangu a dod yn rhan o’r ystafell ei hun. Mae gan waith Chwast y potensial i adolygu ac ail-werthuso dull cartograffig clasurol a ddefnyddir nid ar y diriogaeth ond ar y corff dynol. Archwilir y syniad o fapio mewn perthynas ag arwyneb y corff a hefyd mewn trawstoriad, ar ffurf lled-radiolegol, meddygol-wyddonol. Mae’n ymwneud â defnyddio termau anatomegol priodol a chywir sy’n mapio’r weithred rywiol sydd ar y gweill: “sgwario’r cylch yn berffaith” yn yr ystyr archwiliadol o hunan.

Seymour Chwast (1931, Dinas Efrog Newydd), lle mae’n byw ac yn gweithio. Ef yw sylfaenydd Push Pin Studio, stiwdio gyfathrebu graffig a newidiodd y ffordd i gyfathrebu. Mae ei weithiau wedi cael eu harddangos mewn orielau ac amgueddfeydd yn America, Ewrop ac Asia, mae wedi cael ôl-sylliad yn Mus e des Arts D coratifs del Louvre ym Mharis. Mae ei bosteri i’w gweld yng nghasgliad parhaol y Museum of Modern Art, Efrog Newydd; Smithsonian Design Museum, Efrog Newydd; Philadelphia Museum of Art; Library of Congress. Mae llawer o gatalogau monograffig wedi’u cyhoeddi, ymhlith y rhain: Seymour Chwast: The Left-Handed Designer (Abrams, 1985); Seymour: The Obsessive Images of Seymour Chwast (Chronicle Books, 2009).

Coitus topographicus
1980-2022
Print digidol
Trwy garedigrwydd yr artist

Walid Raad

These plates are from a book Raad found at a flea market in Beirut in 1994. It consists of streetscapes of the city by an unsung Lebanese photographer, Ahmed Helou. What also drew the artist to the book were the anonymous hand-written inscriptions in English and Arabic on each spread. Raad constantly questions the distinctions between the artistic format as a trait of imagination and the journalistic / documentary format as that of reality. Its activity is presented through lectures, exhibitions and an archive – a set of organized classified documents where the original material is never available: only digitalized forms are presented via multimedia presentations in museum spaces and conferences. Despite the fact that Raad introduces it as a project to collect, produce and archive documents, they are often mistaken for straight evidence. In the works presented here, as well as throughout the artist’s practice, the viewer is asked not to address the question of fiction head on – i.e. by playing between what is true and what is fabricated – but rather to ‘read’ the actual landscape of a city, a region or a history as though it were an artwork. Ultimately, Raad’s work does not document what occurred, but what can be imagined, giving the opportunity to the viewer to experience what is transmitted as being as complex as the means of transmission itself.

Walid Raad (1967, Chbanieh, Lebanon). He lives and works in New York, US. He is an artist and professor at the Cooper Union in New York. He founded The Atlas Group (1984-2004), an art collective on the history of Lebanon. He has had solo exhibitions at Mus e du Louvre, Paris; The Museum of Modern Art, New York; ICA, Boston; Museo Jumex, Mexico City; The Whitechapel Art Gallery, London. His work has been presented at Documenta 11 and 13 (Kassel, Germany); Venice Biennale; Whitney Biennial 2000 and 2002 in New York; Sao Paulo Bienale, Brazil; Istanbul Biennal. He has won the Hasselblad Award (2011), Guggenheim Fellowship (2009), the Alpert Award in Visual Arts (2007), the Deutsche B rse Photography Prize (2007), the Camera Austria Award (2005).

Sweet Talk. Commissions (Beiru

Mae’r platiau hyn yn dod o lyfr Raad a ddarganfuwyd mewn marchnad chwain yn Beirut ym 1994. Mae’n cynnwys strydoedd o’r ddinas gan ffotograffydd di-glod o Libanus, Ahmed Helou. Yr hyn hefyd a dynnodd yr artist at y llyfr oedd yr arysgrifau dienw a ysgrifennwyd â llaw yn Saesneg ac Arabeg ar bob taeniad. Mae Raad yn cwestiynu’n gyson y gwahaniaethau rhwng y fformat artistig fel gwaith dychymyg a’r fformat newyddiadurol / dogfennol fel hynny o realiti. Cyflwynir ei weithgaredd trwy ddarlithoedd, arddangosfeydd ac archif – set o ddogfennau dosbarthedig trefnedig lle nad yw’r deunydd gwreiddiol byth ar gael: dim ond ffurfiau digidol a gyflwynir trwy gyflwyniadau amlgyfrwng mewn amgueddfeydd a chynadleddau. Er gwaethaf y ffaith bod Raad yn ei gyflwyno fel prosiect i gasglu, cynhyrchu ac archifo dogfennau, maent yn aml yn cael eu camgymryd am dystiolaeth syth. Yn y gweithiau a gyflwynir yma, yn ogystal â thrwy gydol ymarfer yr artist, gofynnir i’r gwyliwr beidio â mynd i’r afael â chwestiwn ffuglen yn uniongyrchol – hy trwy chwarae rhwng yr hyn sy’n wir a’r hyn sydd wedi’i ffugio – ond yn hytrach i ‘ddarllen’ tirwedd gwirioneddol dinas, rhanbarth neu hanes fel pe bai’n waith celf. Yn y pen draw, nid yw gwaith Raad yn dogfennu’r hyn a ddigwyddodd, ond yr hyn y gellir ei ddychmygu, gan roi’r cyfle i’r gwyliwr brofi’r hyn a drosglwyddir mor gymhleth â’r modd o drosglwyddo ei hun.

Walid Raad (1967, Chbanieh, Libanus). Mae’n byw ac yn gweithio yn Efrog Newydd, UDA. Mae’n artist ac yn athro yn y Cooper Union yn Efrog Newydd. Sefydlodd The Atlas Group (1984-2004), cydweithfa gelf ar hanes Libanus. Mae wedi cael arddangosfeydd unigol yn Mus e du Louvre, Paris; The Museum of Modern Art, Efrog Newydd; ICA, Boston; Museo Jumex, Mexico City; The Whitechapel Art Gallery, Llundain. Mae ei waith wedi ei gyflwyno yn Documenta 11 a 13 (Kassel, yr Almaen); Biennale Fenis; Whitney Biennial 2000 a 2002 yn Efrog Newydd; Sao Paulo Bienale, Brasil; Biennal Istanbul. Mae wedi ennill Gwobr Hasselblad (2011), Cymrodoriaeth Guggenheim (2009), Alpert Award in Visual Arts (2007), Gwobr Ffotograffiaeth Deutsche B rse (2007), Gwobr Camera Austria (2005).

Sweet Talk. Commissions (Beirut)_1987
1987/2010
Printiau inkjet archifol
Cyfres o 8 print

Trwy garedigrwydd yr artist ac Oriel Sfeir-Semler, Hamburg/Beirut

t)_1987
1987/2010
Archival inkjet prints
Series of 8 prints

Courtesy of the artist and Sfeir-Semler Gallery, Hamburg/Beirut

Keep updated

Byddwch y cyntaf i glywed am arddangosfeydd, digwyddiadau & gweithgareddau

Cofrestrwch i dderbyn cylchlythyr